不同類型的藝術品顯然需要不同的展示方法，而這些考量必須針對個案，基於藝術品的特色與展覽的整體設置。
傳統上，此類病態感的黑色喜劇相當禁忌，但Cornellà偏愛在作品裡掀開鄉愿編織成的遮羞布，他在這些議題上插科打諢，並用簡單的線條與情節元素快狠準地切中核心，將食人、神化、謀殺、截肢等社會現象摹繪得戲謔又歡樂。
在全球受疫情肆虐的2020年，行為藝術教母瑪莉娜也提供了一種方法，去發洩積累的壓抑與苦痛，那就是——「對樹訴苦」。
在這樣完全無從得知主角身分的影像中，任何微細的肢體差異都成為區分獨立個體的關鍵，使得這些作品達成了匿名性與個體獨立性之間特殊的平衡。
人們在呼吸停止的情況下展現了真正赤裸的自我，就像卸下了每日為生活武裝，找到了一個更古老、原始的，自己的表情。
在《New Hair New Man》這組攝影作品中，Maria Svarbova將人們的內在焦慮，在一些細微的肢體與擺設中隱現，而新的髮型帶來的那個「新的人」，或許仍滯留在斯拉波娃創造的冷冽泳池裡頭。
Gregory Crewdson在此時推出的新作品《The Eclipse of Moths》，暗示著世界的脆弱性、破碎性，以及人們對於尋求救贖和超越的集體渴望，為當下的美國社會帶來富含情感和批判性的反思。
事隔多年後，Diana Sudyka決定重新利用這些已有一段歷史的明信片作為水彩畫圖紙，並以美國中西部原生動植物為主題展開創作。
正因這種虛實無痕地鑄鎔，旁人很難從圖像中辨別何處是真實的終點？何處又是數位特效開始的起點？
展覽以 《后翼棄兵》 以及《王冠》兩部Netflix熱門原創影集的考究戲服為敘事軸線，藉由知識性娛樂來呈現每套服裝與配飾的設計發軔及其文化意義。
在本次展覽中，Daniel Arsham帶來藝術生涯中最具象徵性的考古雕塑新作，並和博物館的永久性蒐藏共同呈現。
Nick Veasey透過X光的創作，重一開始的生活小物件到後來結構複雜的飛機、哈雷機車，但拍攝時間也日益增長，像是一台摩托車需要3個月的時間拍攝。
Golsa Golchini取來瓦楞紙與壓克力顏料作畫的最新系列《消失的水域》將棕色紙板擬為水景，人們各種瀛海潛泳、沙灘嬉戲和曬太陽的情景，以描繪單一主題的方式微縮在紙板中，這種彷彿觀賞金魚缸的視角，純粹、慵懶而簡單，風格栩栩如生中又帶點想像韻味。
在這「新」與「舊」交錯共存充滿時代感的街區氛圍，台北當代藝術館將藝術融入城北街區，讓你感受此時此地的記憶疆界。
西班牙插畫家Oscar Llorens毫不遲疑選擇了東京作為狂飲創意的甘泉美地，並挪用了龍貓、原子小金剛、Hello Kitty等大量知名的日本動漫角色，作為東京狂想之旅的摹繪與詮釋。
格倫迪表示，這看似堅固的雕塑存在的時間很短，在拍照後就永遠遺失，而且永遠無法再現，這種環境的持久性與織布的運動形式的短暫性，形成鮮明對比
日本青森縣田舍館村委託藝術家Goma將車站大幅改造，沒有草稿和樣本，黑白細瑣的插畫圖像就這樣從天花板中央不斷往外延伸，逐漸佈滿整個牆壁。
Cara Guri謹慎地控制著畫作給予觀者的訊息，並有意識地隱瞞和保留，在缺乏臉部表情的訊息下，她另闢了別種解讀的蹊徑，亦即運用細微肢體語言去傳遞人物的情緒及脆弱性。